¡Bienvenido/a!

El Art Nouveau fue impulsado por un conjunto de ideales estéticos y un entusiasmo por la modernidad, aprovechando las posibilidades que ofrecían las tecnologías industriales y los nuevos materiales, y la combinación de una aspiración a la belleza con un meticuloso trabajo y un ojo para el detalle escrupuloso. El resultado fue una concordancia maravillosa de la arquitectura, el mobiliario y la decoración.

domingo, 8 de enero de 2012

PIEZA PUBLICITARIA: cartel "Love to shop here, love to save here"

EJEMPLO DE PIEZA PUBLICITARIA: PUBLIX

Cartel “Love to shop here Love to save here” Publix (2011) CMYK todo color


                                      
FICHA TÉCNICA
  • Pieza: Publix 
  • Nombre: “Love to shop here Love to save here)” 
  • Fecha de creación: año 2011 
  • Materiales/técnica de fabricación: cuatricomía todo color 

FUNCIÓN/CONTEXTO DE CREACIÓN 

Esta pieza de publix, fue confeccionada con motivo de la campaña publicitaria para el año 2012; en el que está previsto que la marca se expanda. Este diseño, que se muestra en cuatro variantes de color y fondo, se adaptará además a banner, fondos de pantalla y otros elementos dentro del propio establecimiento. 


CONTEXTUALIZACIÓN DENTRO DEL ART NOUVEAU 


Estás piezas constan de dos partes: fondo y texto. El fondo está ilustrado por uno una temática florar ornamental. Podemos observar la conjunción de dos de los elementos más clásicos del Art Nouveau. La naturaleza como fuente de inspiración y la presencia de motivos florales por un lado, y por otro el uso de las figuras ornamentales, las líneas curvas y terminaciones de látigo. En lo que respectar al texto, se aleja un poco más de lo que sería la corriente la letra no es modernista y no parece hecha a mano a la vez que predominan más sus rectas que sus curvas sin embargo encontramos en ella adornos florares que si es una característica de tipografías modernistas así como su gran tamaño ideal para carteles.

PIEZA PUBLICITARIA: cartel "Salon des Cent", por Toulouse Lautrec


EJEMPLO DE PIEZA PUBLICITARIA: CARTEL SALON DES CENT 


Cartel “Salon des cent (La passagère du 54)” (1896) Litografía a cinco colores 20,32 x 27,94

FICHA TÉCNICA 
  • Pieza: Cartel Salon des cent 
  • Nombre: “Salon des cent (La passagère du 54)” 
  • Autor: Henri Toulouse Lautrec 
  • Fecha de creación: año 1896 
  • Materiales/técnica de fabricación: litografía a color tamaño (20,32 x 27,94) 
  • Función: Cartel publicitario para la exposición internacional en el Salon des Cent. 

FUNCIÓN/CONTEXTO DE CREACIÓN 

Es una pieza publicitaria creada para el Salon des Cent con motivo, en este caso, de una exposición internacional de piezas publicitarias en el gran citado salón. Está pieza se distribuyó en diversas revistas de la época. Otros autores modernistas que tuvieron la oportunidad de publicitar otras exposiciones en este salón fueron: Mucha o Samuel Grasset. 

(En anteriores entradas se puede apreciar la realizada por Samuel grasset, esto nos permite hacer una comparativa y apreciar las grandes diferencias entre dos artistas de un mismo movimiento). 


CONTEXTUALIZACIÓN DENTRO DEL ART NOUVEAU 

Henri Toulouse Lautrec fue un pintor y cartelista francés que destacó en su época por la representación de la vida nocturna parisina de finales del S.XIX, en concreto por sus carteles sobre el famoso cabaret francés Moulin Rouge. Esta pieza publicitaria data también de finales del XIX dónde el movimiento ya estaba asentado y el autor ya era reconocido como uno de los personajes clave del mismo. 


REFLEXIÓN SOBRE LA PIEZA 

La pieza si bien tiene un aire más sencillo que otras obras del movimiento, es un fiel reflejo de las características del Art Nouveau. En primer lugar la presentación de la figura femenina, una vez más como personaje único y central. En segundo lugar la inspiración en la naturaleza, en este caso observamos el mas. En tercer lugar el tipo del trazo, lánguido con mucha curva, no a la línea recta como forma de rebelión a los estilos anteriores. Este último punto es aplicable a la tipografía, muy curva, típico de la tipografías modernistas y que parece escrita a mano, otra de las grandes características.

sábado, 7 de enero de 2012

Minibios autores Art Nouveau


En esta entrada presentamos una pequeño aporte biográfico o datos de interés de otros autores representativos del Art Nouveau. 


Hector Guimard (1867 – 1942)




Nacido en Lyon, Francia, es considerado por muchos el representante francés del Art Nouveau. Estudió arquitectura y al igual que Gaudí son las teoría de Eugène Emmanues Viollet las que hacen que sienten sus bases en los principios estructurales del modernismo.

OBRA

Hotel Nozal
Guimard es famoso principalmente por la construcción de El Castel Béranger, que es la construcción que le lanza a la fama. Guimard es también un precursor de la estandardización industrial, en la medida en que desea difundir el nuevo arte a gran escala. Sobre este plan conoce un verdadero éxito con sus famosas entradas del Metro parisiense. Otras obras de interés son:
  • La casa Coillot
  • El Castel Henriette
  • Hotel Guimard
  • Sala de concierto Humbert de Romans
  • Hotel Nozal




Théophile-Alexandre Steinlen (1859 – 1923)
Le Chat Noir

Nacido en Suiza, fue un pintor y litógrafo modernista, conocido especialmente por su trabajo en la revista de cine Chat Noir. Trabajó también otras revistas como: Le Rire, Les Humouristes o Gil Blas. Su litografía de Du Chat Noir es a día de hoy un símbolo tanto a nivel del movimiento, como del cine. Otras obras destacables de Steinlen son:
  • Motocycles Comiot (1887)
  • Oiselle de nuit (portada de la revista Gil Blas)
  • Au moulin de la galetto (portada revista Le Rire)



Henri Toulousse-Lautrec (1864 – 1901)


Pintor y cartelista francés, destacó a finales del siglo XIX por sus litografías y pinturas representando la vida nocturna en París. Una de sus piezas más conocidas es un cartel publicitario sobre el famoso cabaret Moulin Rouge. Otras obras de interés son: 

  • Baile en el Moulin rouge (óleo 1890) 
  • Ambassadeurs: Aristide Bruant (litografía 1892) 
  • En el Moulin de la Galette (óleo sobre tela, 1889) 
  • Divan japonis (litografía 1893)



Eugène Grasset (1845 – 1917) 

Artista Suizo, se desarrolló desde pequeño en un entorno muy creativo, era diseñador y escultor, en 1861 fue a Zurich a estudiar arquitectura. Al igual que muchos artistas de la época Grassete se mudó a Francia y estuvo diseñando mobiliario, tapicerías, joyas, etc. A finales del siglo XIX, Grasset fue contratado para dar clase en varias escuelas de artes gráficas en París.
OBRA
Entre otras se pueden distinguir las siguientes obras clave:
  • Lámpara Louis Comfort Tiffany 
  • Las 12 jóvenes de Grasset 
  • L’Ermitage 
  • Joan d’arc




Victor Horta (1861 – 1947) 

Nació en Bélgica y es considerado el pionero de la arquitectura modernista. Estudió bellas artes, se especializó en dibujo arquitectónico, tras finalizar sus estudios se mudó a París. En 1892 construyó en Bruselas la Casa Tassel construcción que le ha conseguido fama a nivel mundial hasta nuestros días. En ella prescinde del pasillo y de las habitaciones en fila creando espacios fluidos y dando un nuevo tratamiento al uso del hierro y del cristal, creando formas vegetales tanto en elementos arquitectónicos, como en el mobiliario.





OBRA

Casa Tassal
Aquí las obras más características de Victor Horta:
  • Casa Tassal
  • Casa Solvay 
  • Casa del pueblo







Tipografía Kolo, por Paul Shaw

EJEMPLO DE TIPOGRAFÍA: KOLO



FICHA TÉCNICA
  • Tipografía: Kolo
  • Autor: Paul Shaw
  • Fecha de creación: año 1996
  • Función: Tipografía de uso ornamental, reminiscente del Art Nouveau.
  • Técnica: Múltiples tipos de impresión, uso digital.


FUNCIÓN/CONTEXTO DE CREACIÓN

Si cuando hablábamos de la Arnold Böcklin era necesario hacer retrospectiva, aún lo es más necesario con el tipo Kolo. El tipo Kolo, que proviene del apodo de Koloman Moser, uno de los referentes del movimiento La Sezession, que se produjo en Viena a finales del S.XX, fue creado en 1996 por Paul Shaw, y es un homenaje a esta época del Art Nouveau. Se puede identificar con el movimiento Art Nouveau debido a sus características formales, basadas en sus formas redondeadas y de carácter manual, aunque más avanzadas que las primeras letras aparecidas en el movimiento Art Nouveau, como la Arnold, ya que tien formas mucho más geométricas, olvidándose de los contrapesos de la naturaleza, que recargaban las composiciones. Existen tres variantes de ancho, y algunos tipos poseen modificaciones, como las letras “B”, “S” o “Q”. Es ideal para el uso de reminiscencia del período secesionista.

CONTEXTUALIZACIÓN DENTRO DEL ART NOUVEAU

Tal como se ha comentado, se inspira en el movimiento de La Sezession, que se creó en el año 1897 por Gustav Klimt o Koloman Moser, entre otros, en Viena. Este movimiento evolucionaría hasta formar en 1903 el Wiener Werkstäte (El Taller Vienés) cogiendo ideas del Arts & Crafts y del Art Noveau. Es por esta razón que se puede identificar este tipo dentro del movimiento Art Nouveau.

EJEMPLOS APLICACIÓN TIPOGRÁFICA

Aquí se puede ver un ejemplo de uso de la fuente Kolo, inspirado en el Día Mundial de la Tierra de 2009.


FUENTES

PIEZA PUBLICITARIA: Portada de la revista 40º74º Magazine

PORTADA PARA LA REVISTA 40º74º MAGAZINE




FICHA TÉCNICA
  • Pieza: Portada de revista
  • Nombre: 40º74º
  • Fecha de creación: 2009
  • Materiales/técnica de fabricación: Papel estucado/cuatricomía
  • Función: Proteger, anunciar y promocionar


FUNCIÓN/CONTEXTO DE CREACIÓN 


Esta pieza se creó con el fin de proporcionar una portada para la revista 40º74º en su número de febrero de 2009, caracterizado por sus contenidos de carácter “lujoso”. 


CONTEXTUALIZACIÓN DENTRO DEL ART NOUVEAU 

Si bien algunos rasgos de la figura como el rostro y el pecho no parecen asemejarse a las figuras modelo del Art Nouveau debido a su contemporaneidad, es cierto que el resto de los elementos mantienen una estrecha relación, sobre todo el diseño del fondo y del cabello. 

El fondo se encuentra divido en dos diferenciadas áreas visuales, las flores y el mosaico. Las flores vuelven a trasladarnos a las obras modernistas, puesto que tal y como se ha comentado en entradas anteriores, los motivos naturales estaban muy solicitados. Respecto al mosaico, éste se asemeja a muchos de los diseños que hicieron autores como Alfons Mucha en sus piezas. 

De igual forma que en ejemplos comentados, la ornamentación y los detalles de la portada, así como esos trazo curvilíneos son otros de los factores que nos permiten detectar esa influencia modernista.

PIEZA PUBLICITARIA: Packaging helado Hula hula Macadamia

PIEZA PUBLICITARIA ACTUAL: PACKAGING PARA HULA HULA MACADAMIA ICE CREAM

FICHA TÉCNICA
  • Pieza: Packaging para helados 
  • Nombre: Hula Hula Macadamia Ice Cream 
  • Autor: Agencia Mendola Artists 
  • Materiales/técnica de fabricación: Plástico adhesivo/cuatricomía 
  • Función: Proteger y promocionar helados 

FUNCIÓN/CONTEXTO DE CREACIÓN 

El diseño de este packaging, con un estilo Art Nouveau actual, se creó para preservar y promocionar una edición limitada de helados para los supermercados Publix. 


CONTEXTUALIZACIÓN DENTRO DEL ART NOUVEAU 

Tal y como se puede observar en la imagen, este packaging se inspira en los principios estéticos más característicos del Art Nouveau. En primer lugar, destaca la gran cantidad de flores que nos recuerda al uso predominante de insertar elementos de la naturaleza. En segundo lugar, la figura de la mujer se ubica como elemento protagonista, con unos trazos y unos contornos redondeados semejantes a las obras de la época. En tercer lugar, se aprecia un cuidado por los detalles y por la ornamentación, tanto en la figura como en el fondo.

MOBILIARIO: Entradas de metro de Paris por Hector Guimard

EJEMPLO DE MOBILIARIO (URBANO): ENTRADAS DE METRO DE PARÍS 

Boca de metro de París por Hector Guimard


FICHA TÉCNICA

Pieza: Entradas de metro de París
Autor: Hector Guimard
Fecha de creación: 1899-1913
Materiales/técnica de fabricación: Hierro y vidrio
Función: Servir de transición entre el París exterior y el subterráneo.


FUNCIÓN/CONTEXTO DE CREACIÓN

Hector Guimard fue comisionado para diseñar estas entradas de metro en 1902. El objetivo era embellecer la ciudad y en su momento el resultado fue poco convencional, aunque bien recibido. Guimard con estas piezas buscaba la estandarización industrial y difusión del nuevo arte a gran escala. Las entradas fueron consideradas en un principio escandalosas, pero se han convertido en un emblema de la ciudad a través de sus estructuras de hierro y sus “alas de libélula” de vidrio (término utilizado por un crítico contemporáneo a la obra). 


CONTEXTUALIZACIÓN DENTRO DEL ART NOUVEAU

Hector Guimard es un arquitecto que, al igual que Gaudí, está influenciado por las teorías y principios establecidos por Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc, quien resultó ser de gran influencia para el art nouveau. Guimard se basó particularmente en el principio del ornamento estructural de este teórico a la hora de diseñar las entradas de metro de París.

Hoy en día se conservan 83 de estas piezas. Se puede decir que hay dos estilos diferentes de entrada. Uno es el de marquesinas, de las cuañes sólo dos encuentra en uso. Una de éstas es la Porte Dauphine y la otra es la entrada de Abbesses. El otro estilo de entrada consiste en una estructura de hierro abalaustrada decorada con motivos vegetales.

Hay obras de Guimard que se han dado a otras ciudades. Sólo Montreal cuenta con una versión original del autor en su estación de metro Square-Victoria. Sin embargo, a otras ciudades se les ha regalado réplicas sacadas de los moldes originales. Algunas de estas ciudades son: Lisboa, Ciudad de México, Moscú, etc.


REFLEXIÓN SOBRE LA PIEZA

Estas piezas de mobiliario urbano comparten muchas similitudes con la arquitectura del Art Nouveau, como lo es la utilización del hierro y el vidrio conjuntamente, además de las formas orgánicas que hacen referencia a elementos vegetales o incluso animales. Las entradas del metro de París son ahora obras icónicas de la ciudad y se levantan sobre ella como plantas e insectos de hierro que dan la bienvenida a un mundo subterráneo. 



FUENTES
  • http://soundlandscapes.wordpress.com/tag/paris-metro/ 
  • http://www.greatbuildings.com/buildings/Paris_Metro_Entrances.html 
  • http://en.wikipedia.org/wiki/Paris_Métro 
  • http://es.wikipedia.org/wiki/Hector_Guimard 

viernes, 6 de enero de 2012

Desarrollo histórico del Art Nouveau

A continuación, se hace una retrospectiva del desarrollo histórico del Art Nouveau. Es una visión global que también aporta detalles de las corrientes no exclusivamente francófonas, ya que, a pesar de los matices entre regiones, es demasiado difícil desvincular algunos hechos. 


Libro Wren's City Churches
de Mackmurdo 
El primer diseño identificado inequívocamente con el nuevo estilo es la cubierta de un libro de 1883 dedicado a las iglesias de Christopher Wren, del diseñador y arquitecto Arthur Mackmurdo[1]. A pesar de esto, la corriente se considera consolidad a partir de los primeros años de la década de 1890, cuando Victor Horta construyó la Casa Tassel y Alfons Mucha publicó el cartel de la Gismonda. 
Habitación del Castillo de Roquetaillade

Antes de todo eso, existieron ciertos indicios que apuntaban al nacimiento de una nueva corriente artística. Se ha calificado como pre-modernista la decoración mural del castillo francés de Roquetaillade, restaurado por Eugène Viollet-leDuc en la década de 1850. Aunque su propósito era producir una recreación neogótica, lo que se obtuvo fueron unos frescos con un estilo germinal modernista de movimientos orgánicos, colores y formas de una gracia innovadora. 

"Perséfone" por  Rossetti, del 
movimiento prerrafaelista, 
donde se observan algunas 
características que más tarde 
adoptará el Art Nouveau 
(mujer, asimetría, naturaleza)
Esta tendencia de inspiración en lo natural se fue intensificando en la segunda mitad del sXIX, como por ejemplo pasó en el movimiento británicol de los Arts & Crafts (Artes y oficios) de William Morris o la Hermandad Prerrafaelita. Los patrones del diseño de la arquitectura victoriana derivaron hacia formas flotantes libres. El hierro forjado, uno de los materiales clave de la época, se deja a la vista y se aprovecha con funciones decorativas, más allá de la propiamente arquitectónica. También en los cristales tintados o los tejidos empiezan a aparecer este tipo de motivos característicos. De todas formas, los productos tradicionales creados por William Morris y del Arts & Crafts eran costosos y sólo podían comprarlos los adinerados. 
Detalle de un dibujo de Morris
 and Dearle en una alfombra,
motivos florales que
inspirarán el Art Nouveau
Aunque Arts & Crafts fue de influencia para el estilo, cabe puntualizar que los defensores del Art Nouveau veían en sus obras una función embellecedora de lo utilitario, por lo que se quería conseguir hacer llegar arte económico, accesible para las masas y ropiendo con la falta de personalidad del estilo industrial imperante. En Weimar o Darmstadt, los pioneros del Art Nouveau, como Henry Van de Velde o Josef-Maria Olbrich fueron empleados para revitalizar las industrias locales y aumentar la prosperidad de los estados que los empleados. En Viena, los Talleres de Viena se comprometieron incondicionalmente a la producción artesanal costosa en la creencia de que era el momento de la burguesía a desempeñar su papel en el mecenazgo artístico. 

Poster del Art Nouveau de inspiración
oriental. Autor desconocido.
La naturaleza fue una de las fuentes fundamentales del Art Nouveau (o "nuevo estilo"): teóricos como Eugène Grasset en su obra "La plante et ses applications ornementales" mostraron cómo los motivos tomados de la naturaleza podrían ser utilizados de una manera lógica. El redescubrimiento del arte japonés en el siglo XIX llevó a una nueva perspectiva que se preguntaba por la belleza de una ola, de un estampado de kimono o la curva del cuello de una cortesana. La fluidez de las líneas, las composiciones asimétricas, sin la perspectiva geométrica y delicados tonos de color creado un nuevo vocabulario ornamental, liberándose del historicismo, de la gran "carnaval de estilos" que prevaleció durante gran parte del siglo XIX. 

Otro de los casos clave en la historia del Art Nouveau fue en 1888, cuando Charles R. Ashbee fundó la Guild and School of Handicraft de Whitechapel en Toynbee Hall (Londres). Estaba dedicada a la decoración de interiores, especialmente con materiales como la forja, la joyería, el esmalte y el mobiliario (materiales clave del estilo) dedicada a la decoración integral de interiores (forja, joyería, esmalte y mobiliario). Ashbee aprovechó el cierre de una imprenta para contratar a algunos de sus trabajadores para ampliar su actividad al sector de la imprenta (Essex House Press). 

Cartel de la Secesión de Berlín
La libertad reivindicada en la década de 1890 por los grupos de artistas denominados de la "secesión" aparecidos sucesivamente en varias ciudades europeas (París, Munich, Viena, Berlín…) dio sustento al nuevo corriente naciente, donde tenían una voluntad rupturista con las sociedades de artistas más relevantes de dichas ciudades, creando nuevos modelos y formas de impulsar el arte. 

Es también en esta época (1892 y 1893) cuando Victor Horta construye la Casa Tassel, se consolida el estilo y su taller de Bruselas se convierte en un centro disfusor de l’Art Nouveau, especialmente en cuanto a arquitectura. Victor Horta introdujo el hierro y la fundición en las casas de la burguesía en Bruselas[2]. Estos materiales industriales le permitieron respirar en el espacio interior de la vivienda, permitiendo que el aire y la luz pudieran circular. Al elegir decorar con curvas abstractas, fue capaz de expresar la naturaleza maleable de metal. Se crea así un universo rebosante donde las líneas expresan la vitalidad, el poder de crecimiento de las plantas. 

No todo el mérito es del arquitecto. El 1 de enero de 1895 un cartel publicitario difundido por las calles de París para anunciar la obra de teatro de La Gismonda representó el empujón final para lanzar el Art Nouveau como referente en las artes gráficas. Su autor fue uno de los más reconocidos en el movimiento, Alfons Mucha. 

Modernisme: "Ramon Casas i Pere Romeu
en un tàndem" de Ramon Casas
Más allá de los límites francófonos, la corriente empezaba a llegar. El Art Nouveau se extendió rápidamente por Europa, gracias a revistas de arte foto-ilustradas, así como exposiciones internacionales. El nombre terminó siendo diferente según el país, que se llamaba "Modernisme" en Cataluña, "Jugendstil" en Alemania, "Liberty" en Italia o "Secession" en Viena o Praga. El movimiento del Art Nouveau se desarrolló más rápidamente en los países o regiones que se cobró una mayor autonomía cultural (como Cataluña, Checoslovaquia y Finlandia) o aquellos que experimentaban prosperidad económica y que querían alejarse de los gustos dictados por las capitales (Glasgow o Nancy). El conjunto de Europa adoptó el Art Nouveau a una mayor o menor medida porque el estilo fue capaz de convivir con formas heredadas del pasado. Fue más a menudo dominante en las zonas de nueva construcción para hacer frente a la creciente urbanización a finales del siglo XIX (Riga o Barcelona), demasiado industrializada y pensado solo de forma barata y masiva. 

Portada de "Jugend" la revista de Múnich
Concretamente, en 1896 comenzó a publicarse en Múnich la revista Jugend ("juventud"), que dio nombre al estilo en Alemania (Jugendstil) y que servía de inspiración y también de difusión de las obras de este estilo. Un año después, nació lo que se conocerá posteriormente como la Escuela de Glasgow: Charles R. Mackintosh, seguido por un grupo de artistas de la ciudad e identificados con el movimiento modernista, fundaron la Glasgow School of Art. 

Fue en estos tiempos cuando en Barcelona empezaba el Modernisme a despuntar. En el local Els Quatre Gats, mundialmente conocido, fue el punto de encuentro del modernismo catalán y sus representantes de la zona. También Gaudí empezaba a desmarcarse con sus construcciones. 

La Exposición Universal de París (1900) significó un hito destacado. Fueron especialmente impactantes las instalaciones coordinadas (en diseño y color) de obras de arte junto a muebles y tapices, expuestas por iniciativa de la Maison de l'Art Nouveau ("Casa del Arte Nuevo"). Al igual que ésta, otras casas comerciales, como la londinense Liberty & Co.10 (Arthur Lasenby Liberty) y la neoyorquina Tiffany’s (Louis Comfort Tiffany), se identificaron tan estrechamente con la nueva estética que sus nombres se utilizaron también como denominaciones de la misma. 
Escaleras en rotonda estilo Art Déco
del Burkbank City  Hall
En cualquier caso, el Modernismo en general, alcanzó su momento álgido la Prima Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa Moderna de 1902 en Turín, donde expusieron diseñadores de todos los países europeos. 

Hacia la época de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), la naturaleza altamente decorativa del diseño modernista ya había comenzado a ser abandonada en favor de trazos más simples y rectilíneos, más en armonía con la estética plana y el menor coste de los diseños industriales. Hacia los años veinte esa tendencia se concretaría en una nueva etiqueta denominativa: el Art Decó. 




FUENTES

Arquitectura: Edificio 2 de Smilsu Street por Konstantins Peksens

EJEMPLO DE ARQUITECTURA: EDIFICIO 2 DE SMILSU STREET

Exterior del edificio




Detalle de la fachada




FICHA TÉCNICA
  • Nombre: Edificio 2 de Smilsu Street
  • Autor: Konstantins Peksens
  • Ubicación: Riga
  • Fecha de creación: 1902
  • Materiales de fabricación: ladrillo, piedra, hierro
  • Función: Viviendas

UTILIDAD/CONTEXTUALIZACIÓN DE CREACIÓN

En un tiempo en el que Riga se alzaba como una de las ciudades más influenciadas por el estilo del Art Nouveau, Peksens diseña este edificio en el que incluye una de las esculturas de piedra más emblemáticas conocida como Miss Riga.


CONTEXTUALIZACIÓN DENTRO DEL ART NOUVEAU

El Edificio 2 de Smilsu Street se caracteriza por la fascinante abundancia y variedad de motivos decorativos, especialmente las figuras esculpidas que acompañan a los ventanales. Tal y como puede observarse, muchas de las figuras vienen acompañadas de elementos relacionados con la naturaleza, tanto del mundo vegetal como del animal; aspecto muy común en las obras del Art Nouveau. En centro del edificio es encabezado por un pavo real. Además, cuenta con un gran número de figuras esculpidas, en las que la figura humana se presenta casi como una divinidad.

El edificio destaca asimismo por sus delicadas y acentuadas formas arquitectónicas, por el cuidado de la ornamentación y el detalle y por la combinación de los colores rojizos y verdosos.


Ventanal



FUENTES


CARACTERÍSTICAS PROPIAS DEL ART NOUVEAU


Para analizar las características del Art Nouveau tenemos que empezar desde la base. El termino Art Nouveau ya indica de por sí un espíritu de reforma, rebelión y libertad.  El origen de un cambio de movimiento artístico va en muchas ocasiones ligado con movimientos políticos destinados a acabar con el orden establecido, normalmente represivo como es el caso que se dio en Praga a finales del siglo XIX.  Así mismo el Art Nouveau como cualquier nuevo movimiento centra sus bases en una fuerte reacción contra los estilos predominantes en el arte convencional, especialmente cuando este es el único que se enseña y divulga en las escuelas y el que inunda las calles.

El primer principio importante del movimiento Art Nouveau el de tratar de  deshacerse de las distinciones entre las artes mayores y menores y el arte bajo y alto.   Para muchos artistas lo esencial era que el arte afecta y unificar la vida de la gente, no sólo en las pinturas de aceite caro en las paredes de los ricos o en los salones institucionales, sino en los objetos esenciales de su vida diaria, sus casas, muebles y vasos, los anuncios, cortinas e incluso rejillas de alcantarillado.   Incluso puramente objetos funcionales ahora en gran parte hechos a máquina y producidos en masa debe ser determinada por los poderes de arte decorativo.

Estos objetos son un punto importante de la corriente, ya que esta hace un fuerte énfasis en la unión entre belleza y la utilidad. Este es uno de los mensajes sociales que caracterizan al movimiento, algo que le ha valido el nombre de   Arte Social   en algunos sectores.   Se inspira, en parte, por una fuerte reacción contra la fealdad de la mayor parte del material fabricado, como mencionamos anteriormente, que fue dominando cada vez más vidas de las personas durante el transcurso del siglo XIX. El componente Social como característica del movimiento se aprecia con mucha fuerza en el proyecto de la “Exposición Internacional de Arte e Higiene popular” que unía el arte y las instalaciones públicas.

No es sorprendente que en algunos lugares, el nuevo movimiento fue rápidamente adoptado por los socialistas y los librepensadores como una manera de producir un estilo verdaderamente internacional para todas las personas, mientras que se opone ferozmente por la Iglesia Católica y los movimientos para conservar la moral tradicional.

Otra característica importante del Art Nouveau es la fuerte inspiración formal en la idea de la naturaleza como una fuente inagotable de ideas de diseño, especialmente  flora y fauna y, sobre todo la sinuosidad, la asimetría, líneas fluidas que los intentos de superar las estructuras rectilíneas estática de los años anteriores. Esta estrecha relación con la naturaleza  generó como arquetipos del movimiento elementos como: cortinas   sobrecargadas  con adornos, tapicería pesada y jardines interiores llenos de plantas verdes, finalmente dio paso a la necesidad de observar el mundo exterior. Toda la decoración se inspira a partir de las formas de las ramas, flores y hojas. La línea recta desaparecido para dar paso a los enredos de la enredadera y sólo se tolera una superficie plana si puede ser decorada con  marquetería, que represente un paisaje de flores. 

La ornamentación es otro punto clave en cuanto a las características estéticas del movimiento. La ornamentación está siempre viva, inquieta, y equilibra. Además a  diferencia de la ornamentación estática de casi todos los otros períodos estilísticos, de estilo art nouveau es siempre uno y el mismo tiempo en movimiento y en un estado de equilibrio.   En el fondo hay un esfuerzo para dominar el movimiento por medio de la armonía y equilibrio. 

Este énfasis en la ornamentación y el patrón lineal no es meramente decorativa.   Para los artistas del Art Nouveau la esencia del estilo era el contenido simbólico en el patrón ornamental. Los patrones ornamentales reflejan el optimismo y la fatiga que son simbolizados por dos movimientos, uno ascendente y otro descendente, que se presentan juntas en los sinusoides serpentina entre dos polos que atraen alternativamente.   “Este énfasis en el patrón energético y dinámico de las líneas se vio impulsado también por el resurgimiento del interés en el arte celta y la pasión en toda Europa y América por el arte japonés, especialmente en sus elementos decorativos, su exotismo y su concepción del espacio” (Madsen), Esto ofrecía inspiración artística para aquellos que desean alejarse de los convencionalismos del arte del siglo y encontrar formas de llevar la belleza visual fresco y con un propósito moral en una época cada vez más dominado por la ciudad industrial y la máquina.

Otra de las características estéticas más importantes es la aparición de la figura femenina. Las mujeres y los retratos de las mujeres son sorprendentemente frecuentes en esta corriente. La imagen más frecuente de la mujer en el Art Nouveau es una mujer sola como foco de atención, de modo que la figura o el rostro es una parte integral de la trama y de ella se deriva el resto de la trama, lo que genera piezas con mucha  fuerza e intensidad. Dentro de la característica de la aparición de la figura femenina podemos destacar una subcategoría que vendría ha hablar del poderoso sentido de la sexualidad presente en muchas obras especialmente en las de autores como Mucha, Beardsley o Klimt.

Es destacable la inmediatez de la mirada y la confianza en la postura de la mujeres de estas obras, que a pesar de su potencial sexual, no parecen objetos sino que respiran rectitud victoriana.  Su posición en las piezas como centro de atención y su relación con lo ornamental y la naturaleza crean una sensación de poder e independencia.

Para acabar con las características de este movimiento vamos a centrarnos en las variantes que se presentan en la arquitectura, ámbito que tiene un fuerte impacto a cause de que ha perdurado de una forma muy directa en el tiempo.

En este ámbito destaca el uso del hierro para desarrollar elementos estructurales y ornamentales, que son los símbolos arquitectónicos del movimiento. Cuando hablamos de arquitectura en Art Nouveau, se ha de pensar en un cuerpos de edificio muy dinámico con formas sinuosas y rítmicas, a menudo con esquinas redondeadas. Un claro ejemplo de esto es la arquitectura de Gaudí.

La arquitectura Art Nouveau expresa rechazo de los modelos convencionales de la historia    y un  retorno a la naturaleza. Otras características clásicas son, según Madsen: énfasis en la asimetría, los arcos aplanados y una tendencia a fusionar diferentes habitaciones, con el fin de crear un sentido orgánico de la división del espacio. La fachada es un factor importante es una superficie decorativa y suele presentar ornamentación floral en la base representando que el edificio nace de la tierra, reflejo de una de las caractersíticas básicas comentadas en esta entrada.


Análisis formal de una pieza: Cigarrillos Paris de Aleandro Villa

ANÁLISIS FORMAL DE UNA PIEZA GRÁFICA

Se ha creído conveniente realizar el análisis formal de una pieza gráfica de publicidad de la época, para así sacar a la luz todas aquellas características puramente formales típicas del movimiento. El ejemplo elegido es el cartel de Cigarrillos París realizado por Aleandro Villa en 1900.

Cartel “Cigarrillos París” por Aleandro Villa del año 1900 

1. Características del medio

  • 1.1. Tipo de medio:
  • pósteres y carteles.
  • 1.2. Características técnicas de los materiales: Litografía en color sobre papel con cajas tipográficas. 

2. Características del campo gráfico
  • 2.1. Formales: rectangular, cuadrado.
  • 2.2: Equilibrio y pesos visuales: dinámico, con cierta ruptura en el concepto de la centralidad de la pieza, con pesos visuales en la parte inferior que le dan cierto “peso” a la pieza; con integración de cajas de texto al cartel e imagen. 


3. Características de la imagen

  • 3.1. Tipo de sistema de representación utilizado: dibujo, ilustración.
  • 3.2. Leyes de organización formal: semejanza, continuidad, de buena forma, cierre.
  • 3.3. Estructura cromática: paleta de colores cálidos, con uso de blancos planos en tipografía y colores. crema en bloques de texto; uso de colores fríos de contraposición en la zona media de la pieza.
  • 3.4. Tipo de encuadre y características de clima compositivo: D
    inámico, no estructurado, clima distendido, rupestre. Baja iluminación e inclinada.
  • 3.5. Ubicación de la pieza: modernismo, específicamente Art Nouveau, con elementos de la gráfica romántico-positivista 
  • 3.6. recurso expresivo básico: línea ondulada, plenos o zonas de color planas. 


4. Características de la tipografía

  • 4.1. Familias tipográficas utilizadas: tipografías realizadas con intencionalidad ex profeso para la pieza; formas manuales. 
  • 4.2. Variables tipográficas presentes en la pieza: normales e itálicas.
  • 4.3. Relaciones con la imagen: elemento contrapositivo con la pieza. 


5. Funciones de la tipografía o el texto

  • 5.1: funciones: contraposición imagen; dotación de peso a la figura. 


6. Elementos comunicativos

  • 6.1. Elemento comunicativo imperante: comunicación de venta
  • 6.2. Elementos estéticos publicitarios: logo con un tercio ocupación mensaje; uso de dibujos; producto evidente.
  • 6.3. Aplicación teórica hoy en día: escasa, debido a la prohibición de promoción de tabaco y el sentido estético actual, mucho más simplista y efectista.

Tipografía Arnold Böcklin, por Otto Weisert

EJEMPLO DE TIPOGRAFÍA: ARNOLD BÖCKLIN

FICHA TÉCNICA
  • Tipografía: Arnold Böcklin
  • Autor: Otto Weisert
  • Fecha de creación: año 1904
  • Función: Tipografía de uso ornamental, con preferencia en la visibilidad por encima de la legibilidad.
  • Técnica: Litografía con cajas tipográficas.


FUNCIÓN/CONTEXTO DE CREACIÓN 

Si hay que elegir una tipografía representativa del período modernista, esta es la Arnold Böcklin. Es una tipografía diseñada en 1904 por Otto Weisert, que recibe el nombre del pintor simbolista reconocido por su obra “La isla de los muertos”. Se puede identificar con el movimiento Art Noveau debido a sus características formales, basadas en sus formas redondeadas y ornamentos florales propios de este estilo. Este tipo fueron creados para su uso en tamaños grandes, como carteles y rótulos, donde las características referentes a la visibilidad eran mucho más importantes que a lo que se refiere la legibilidad. Su uso fue muy extenso en los cafés al aire libre de principios del siglo XX. 


CONTEXTUALIZACIÓN DENTRO DEL ART NOUVEAU

La tipografía Arnold Böcklin fue especialmente preponderante en el movimiento Jugendstil, es decir, el movimiento modernista correspondiente a la región alemana, inclusive se puede encontrar hoy en día en carteles inspirados en la época. 


EJEMPLOS APLICACIÓN TIPOGRÁFICA

Se pueden encontrar muchos ejemplos, como en los ya mencionados cafés de época, con el ejemplo en Barcelona de “El Cafè de l’Òpera”.


“Cafè de l’Òpera” de Barcelona - tipo Arnold Böcklin

También, en objetos de uso cotidiano, como son las botellas Perrier-Jouët Champagne, que utilizan la tipografía Arnold Böcklin en su packaging. 
Botellas Perrier-Jouët Champagne – tipo Arnold Böcklin 

FUENTES

miércoles, 4 de enero de 2012

La tipografía en el Art Nouveau

Previamente a la presentación de ejemplos de tipografías de estilo propiamente Art Nouveau, es necesario hacer una pequeña retrospectiva a las características que definían este movimiento, para así poder localizar rasgos distintivos en las diferentes tipografías seleccionadas. 

Antes de todo, se debe hacer mención a un elemento distintivo del movimiento en la época, y es que muchos autores preferían crear sus propias escrituras manuales, alejándose de las tipografías de la época, dándole a sus creaciones un aspecto único y personal. Es por ello que es muy difícil hablar de tipografías específicas de la época; de todas formas, hay cánones generales y específicos de las fuentes tipográficas, y estas son las que intentaremos descifrar a continuación.


CARACTERÍSTICAS GENERALES TIPOGRÁFICAS


Cartel “Motocycles Comiot” (1899) por 
Théophile Alexandre Steinlen 
En el cartel que se presenta, realizado por Théopile Alexandre Steinlen, autor de una de las obras analizadas, “Le Chat Noir”, se pueden observar varias de las características principales del modernismo y, en especial, del Art Nouveau, en su tipografía, como son: 

- Ornamento de las formas, sobre todo inspiradas en la naturaleza y en el mundo vegetal, tal como se puede observar en los ramilletes de las letras “o”;

- Inspiración en grabados japoneses, con formas planas bidimensionales, tal como se puede observar en el uso de la tinta negra plana; 

- Relación alta con el mundo de la ilustración y la fantasía, que acompaña la imagen, con trazos difuminados en el fondo, sin ser concreto; 

- El texto se encuentra insertado dentro del anuncio gráfico, y no externo a él, como ocurría en otros movimientos anteriores, tal como se puede observar en la pieza, que se conjuga como un elemento más del entramado; 

- Uso del formato vertical, ocupando el texto las partes superior e inferior del cartel, tal como se puede visualizar en la obra de Steinlen; 

- En definitiva, se trata de una conjunción de formas planas y redondeadas, que excluyen el efecto de volumen y de sencillez. 


CARACTERÍSTICAS TIPOGRÁFICAS DE LOS ANUNCIOS 

Aun así, todo ello son elementos muy generales relacionados con el modernismo, y no tienen en cuenta las particularidades del movimiento Art Nouveau en específico. De esta manera, se deben tener en cuenta, a su vez, los límites a los cuales nos ceñimos, que no son otros que los anuncios gráficos y los elementos publicitarios de época. Es muy importante tener en cuenta la importancia que tuvo en el Art Nouveau la constitución de los carteles, pues son uno de los medios más importantes para llegar a difundir este movimiento en el público, pues iban a tener contacto directo con todo el mundo, al estar pensados para residir en la calle. 


Siguiendo los cánones de la época, los carteles debían ser leídos desde lejos y generalmente desde abajo, poseyendo grandes dimensiones (tal como se puede ver en la mayoría de tamaños de los carteles de la época) y, por consiguiente, los tamaños tipográficos eran de cuerpo grande, a su vez. El uso de las mayúsculas de propaganda se diferenciaba por el espesor de la línea, haciéndose más ancha hacia los extremos. Para facilitar la legibilidad, existe una preponderancia de las mayúsculas de tipo normando simple procedentes de fundiciones. 

Las tipografías que corresponden a los carteles de anuncios Art Nouveau se pueden calificar como fuentes de exhibición, y, en especial, dentro de estas, de las decorativas debido a sus características formales, ya que son recurrentes los ornamentos y serigrafías con formas abstractas. Así mismo, también cabe comentar que dentro del contexto catalán, el texto de los anuncios de la época modernista es más largo que en el cartel y tiene intención para ser visto y leído de muy de cerca. 

De esta manera, el rasgo característico principal del anuncio comercial modernista es el tipo de letra empleada en el texto. Para el impreso de tamaño pequeño, son comunes los caracteres de fantasía decorativos, incluyendo desde los tipos góticos hasta los caracteres de tipo grotesca. 


LOS TIPOS DE LETRAS 

Cuando se habla de los tipos de las letras, hay que hacer mención a la zona dónde estos se desarrollaron, ya que normalmente los tipos ingleses y americanos eran mucho mayores que los del resto de Europa, y no tuvieron apenas influencia. De esta manera, cada país de la zona Europa había imprimido al arte gótico el sello de su personalidad, que se podría observar en el libro, la imprenta y el carácter de las letras, excepto en Alemania, donde los caracteres góticos seguían todavía en uso.

Tipografía estilo Art Nouveau

Así si hablamos de los tipos de caracteres del Art Nouveau (Behrens 1901 y Eckman 1902), estos tuvieron su inicio en el tipo barroco grotesco, a su vez resultado del gótico, un trazo espeso esencialmente decorativo y no solo de significado. También hubo influencia del tipo romano, inspirado en la tipografía Antiqua. 

Con todo lo dicho, se puede afirmar que realmente solo hubo dos tipos de verdadera procedencia española: el tipo bastarda española y el gótico incunable. Más adelante se hablará de estas y otras tipografías en sus respectivos posts, con el uso de las tipografías y su pertenencia al movimiento Art Nouveau. 


FUENTES 

Arquitectura: Castel Béranger, por Hector Guimard




FICHA TÉCNICA

  • Nombre: Castel Béranger
  • Autor: Hector Guimard
  • Ubicación: París
  • Fecha de creación: 1895-1898
  • Materiales de fabricación: hierro, cerámica, piedra, ladrillo
  • Función: Viviendas

UTILIDAD/CONTEXTUALIZACIÓN

Diseñado por Hector Guimard, este edifico fue construido inicialmente para albergar 36 viviendas en el selecto distrito 16, concretamente en la calle Fontaine.



CONTEXTUALIZACIÓN DENTRO DEL ART NOUVEAU

Este edificio, levantado en una parcela del número 14 de la Calle La Fontaine de Paris, cuenta con tres bloques dispuestos alrededor de un patio interior. Tal y como ya se apreciaba en muchos edificios de la época, el Castel Béranger destaca por esa “fantasía” en sus fachadas, donde la presencia de diferentes volúmenes y la aplicación de distintos materiales rompen con el clasicismo y transmiten un conjunto de nuevos valores. De esta obra arquitectónica también destacan especialmente los detalles decorativos de la fachada y las cancelas de hierro forjado con motivos florales y vegetales. Asimismo, cuenta con diversas figuras alrededor de los exteriores y de los balcones, que nos podrían recordar a parientes lejanos de la Edad Media, como un diablo, un hipocampo o unas máscaras.

Le Caste Béranguer deja ver parte de esa influencia respecto a las obras de Victor Horta y es considerado una de las construcciones más representativas del Art Nouveau parisino.



Exteriores de la casa





Figurita similar a un Hipocampo o Caballito de mar

FUENTES

martes, 3 de enero de 2012

PIEZA PUBLICITARIA: cartel Chocolate-Amatller, por Alfons Mucha

EJEMPLO DE PIEZA PUBLICITARIA: CARTEL CHOCOLATE-AMATLLER

Cartel “Centenario de la casa Chocolate-Amatller” (1900) Litografía a color y escala real (44x31 cm)


FICHA TÉCNICA 
  • Pieza: Chocolate-Amatller 
  • Nombre: centenario de la casa Chocolate-Amatller 
  • Autor: Alfons Mucha 
  • Fecha de creación: año 1900 
  • Materiales/técnica de fabricación: litografía a color tamaño (44x31) 
  • Función: Cartel conmemorativo y publicitario del centenario de casa de Chocolate Amatller de Barcelona.

FUNCIÓN/CONTEXTO DE CREACIÓN

La marca Amatller es probablemente la marca más antigua de España en activo desde que la familia Amatller inició la fabricación de chocolate en 1797 en el barrio de Santa María del Mar de Barcelona. En 1872 Antoni Amatller, nieto del fundador toma la empresa a su cargo. Antoni Amatller pertenecía a la burguesía barcelonesa y aprovechó su empuje económico para convertirse en mecenas de arte y cultura. Fue su pasión por el arte lo llevó a promocionar Chocolates-Amatller a través de carteles publicitarios realizados por los más destacados artistas de la época. De este modo para una ocasión tan importante como el centenario de la casa Amatller, Antoni no dudo en acudir a Alfons Mucha máximo exponente del movimiento de la época para la elaboración del cartel conmemorativo. 


CONTEXTUALIZACIÓN DENTRO DEL ART NOUVEAU

Para aquel entonces, recién llegado el siglo XX el movimiento que se venía dando desde finales del XIX ya se había afianzado. La obra de Mucha disponía de un amplio reconocimiento hasta el punto que ese mismo año (1900) fue nombrado caballero de la orden del emperador Francisco José. 


REFLEXIÓN SOBRE LA PIEZA 

Este cartel, elaborado para la casa de chocolates Amatller, es un ejemplo perfecto, tanto del Art Nouveau como de la obra de A. Mucha. En él podemos observar la figura central, una mujer joven y bella, como es típico en la obra de Mucha. Se puede observar que esta figura central tiene un halo a su espalda, otro aspecto típic del autor, que da un toque místico. No debemos olvidar que el autor da mucha importancia a lo espiritual. Podemos observar también como tanto el halo como el cabello de la joven está decorado con flores; esto es el reflejo de la inspiración en la naturaleza típica del movimiento. Para finalizar podemos observar en las esquinas decorados ornamentales; la ornamentación es una característica típica tanto del movimiento como del autor. La parte ornamental de esta pieza está formada por lineas aymmetrially (un tipo de trazado) y onduladas que terminan en forma de látigo, cargando de energía el movimiento. 


FUENTES

lunes, 2 de enero de 2012

PIEZA PUBLICITARIA: Cartel "Salon des Cent", por Eugene Samuel Grasset

EJEMPLO DE PIEZA PUBLICITARIA:  CARTEL "SALON DES CENT"

FICHA TÉCNICA 
  • Pieza: Poster para Salon des Cent 
  • Autor: Eugene Samuel Grasset 
  • Fecha de creación: 1894 
  • Materiales/técnica de fabricación: Litografía a color (22.5 x 16.2 cm) 
  • Función: Poster para Salon des Cent 

FUNCIÓN/CONTEXTO DE CREACIÓN 

Se trata de un poster para el Salon des Cent donde varios diseñadores mostraron su trabajo. Ésta fue una exposición en las instalaciones de la revista “La Plume”, la cual distribuyó a sus subscriptores diversos afiches que posteriormente serían expuesto en el Salón. Sin embargo, sólo algunos artistas tuvieron la oportunidad publicitar la exposición como tal. Entre éstos: Mucha, Tolouse-Lautrec, Eugene Grasset, etc. 


CONTEXTUALIZACIÓN DENTRO DEL ART NOUVEAU 

Eugene Samuel Grasset fue un diseñador suizo que se estableció en Francia. Trabajó en litografía y otras técnicas. En su momento fue considerado como pionero en el estilo Art Noveau y un artista de gran influencia para las personas que años más tarde destacarían en este movimiento. 


REFLEXIÓN SOBRE LA PIEZA 

Formalmente se puede apreciar que se trata de una imagen asimétrica, característica que va a ser muy común en los posters del movimiento. Además la imagen muestra la apreciación que se tenía en el momento por la naturaleza y sus formas, ya que se puede apreciar a la joven de la imagen examinando un ejemplar de flora y a su vez, en su otra mano, tiene una libreta y un lápiz, dando la impresión de que está estudiando de mano directa a la naturaleza. 


FUENTES